Quando la nuova serie di Ghost in the Shell è stata lanciata il 7 luglio, è successa una cosa davvero curiosa. Ho visto un gran numero di appassionati di anime, creatori di contenuti e utenti dei social media in generale andare fuori di testa perché la serie era colorata, irriverente, divertente e mostrava una Motoko che rideva e scherzava. Il verdetto immediato è stato che Science SARU avesse tradito il materiale originale.
Il problema di questa idea è che il materiale originale è esattamente così. Il manga che Masamune Shirow ha pubblicato tra il 1989 e il 1991 è un’opera dirompente, fuori dagli schemi, piena di note a margine e battute piccanti che Mamoru Oshii ha deciso di tagliare nell’adattamento cinematografico animato del 1995, molto più conosciuto dal grande pubblico, perché in realtà era interessato a fare qualcos’altro. Una cosa fantastica, certo, ma non un adattamento fedele al manga originale. In generale, ciò che abbiamo fruito per tre decenni non erano adattamenti del manga, ma adattamenti della lettura che Oshii aveva fatto di quel fumetto giapponese, e la differenza si nota non appena qualcuno va finalmente allo scaffale e riprende in mano l’opera di Masamune Shirow.
Il fatto è che questa nuova serie è anche la prima versione del franchise che non passa per le mani della Production I.G. da trent’anni, e il cambio di gestione si nota fin dal primo minuto. La regia è di Toma Kimura, che firma con lo pseudonimo di Mokochan e che debutta qui dopo aver lavorato a *Dan Da Dan* e *Scott Pilgrim*, con la sceneggiatura di Toh EnJoe e Shūhei Handa a capo del character design e della direzione dell’animazione. Ma veniamo al punto: al di sopra di tutti loro c’è lo stesso Shirow che, come ha raccontato il produttore Kōhei Sakita in un’intervista, revisiona sceneggiature e storyboard e mantiene un contatto costante con il team. E si nota.
Mokochan è arrivato a descrivere il suo metodo di lavoro nella serie come una ricerca di comunione spirituale con l’autore. Ho chiesto il parere a un animatore che conosce Shirow meglio di me, e la prima cosa che mi ha menzionato è stato un foglio d’argento stropicciato Renato Roldán è un animatore, direttore artistico e story artist maiorchino con vent’anni di esperienza alle spalle. Il suo cortometraggio *Semilla del recuerdo* gli è valso una nomination ai Goya e premi ai festival Mundos Digitales e Art Futura; è stato direttore artistico di videogiochi, ha realizzato lo storyboard del trailer di *Star Wars Outlaws* per Ubisoft e attualmente lavora come story artist in uno dei più grandi franchise di fantascienza esistenti. Nel frattempo ha fatto parte del team di animazione di *Love, Death & Robots*, l’antologia di Tim Miller e David Fincher che vanta tredici Emmy distribuiti tra le sue stagioni. Gli ho chiesto di questa serie perché volevo confrontare il mio entusiasmo con quello di qualcuno che ne sa davvero qualcosa.
Non si tratta solo di fedeltà alla trama, il che sarebbe la cosa più facile, ma di fedeltà al suo DNA artisticoIl suo primo contatto con Shirow non è stato *Ghost in the Shell*, bensì *Intron Depot*, un artbook che un compagno aveva portato a dei corsi estivi di illustrazione. Quella cosa gli ha fatto perdere la testa, e sono parole sue, perché proveniva da Dragon Ball e Ranma e da ciò che trasmettevano in TV a quei tempi, e all’improvviso si è ritrovato di fronte a delle texture fotografiche di metalli e fulmini che Shirow fotografava per inserirle nei suoi scenari. Corse in edicola a cercare *Patrulla Especial Ghost*, che è il nome con cui qui conoscevamo originariamente il manga di *Ghost in the Shell*, ma non c’era più.
Parliamo di tempi remoti e misteriosi in cui Amazon non esisteva. Chi di noi è cresciuto comprando fumetti in edicola sa perfettamente cosa significhi: non c’era nessun numero arretrato che valesse la pena, c’era solo quello di quella settimana e basta. Il primo fumetto di Shirow che riuscì a procurarsi fu un “Appleseed”, il numero 12 se la memoria non lo inganna, e da quel momento in poi li comprò tutti, perché per lui Shirow è il Leonardo da Vinci del manga. Pagina del manga originale di Shirow Comincio a stufarmi degli anime tradizionali, e questa serie è proprio l’antidoto Quando gli ho chiesto cosa ne pensasse della serie, Ren è andato dritto al colore. Dice di essere davvero stanco di vedere anime che sembrano tutti uguali perché non c’è alcun tipo di variazione cromatica, che sono tutti giorni di sole o giorni nuvolosi, sempre le stesse tavolozze, e che sono come carne macinata passata tutta attraverso lo stesso filtro. A contrapposto, cita gli anime che vale la pena studiare e non solo guardare, e menziona lo Studio Trigger e *Cyberpunk: Edgerunners*, oltre a Science SARU con *Ghost in the Shell* e *Dandadan*. Ciò che sottolinea è il lavoro di key color dietro ogni sequenza, la decisione consapevole di dare a ogni blocco narrativo una tonalità che spinga nella direzione di cui la scena ha bisogno.
Quante serie avete abbandonato quest’anno senza sapere bene perché, con quella vaga sensazione di stare guardando qualcosa che avevate già visto prima, che fossero noiose, che non vi coinvolgessero? Io parecchie, e comincio a sospettare che spesso il motivo fosse proprio quello.La seconda cosa che mi ha fatto notare Ren è il livello di dettaglio nella trasposizione grafica del manga. Ed è evidente per tutti i fan di Shirow che c’è un enorme affetto riversato in questo lavoro. Uno dei primi fotogrammi della serie è quella rete neurale che compare nelle vignette di Shirow, che nell’originale è letteralmente carta stagnola stropicciata e lavorata in modo da sembrare una rete neurale, ed è lì, riprodotta fedelmente. Questi dettagli dimostrano una cura speciale nella produzione. Anche le espressioni istrioniche dei personaggi, quei volti deformati che fanno parte del DNA del manga e che nessun adattamento precedente aveva osato mettere in modo così evidente sullo schermo, ci sono.
Ci sono momenti che si riconoscono quasi alla perfezione. Non si tratta solo di fedeltà alla trama, che sarebbe la cosa più facile, ma di fedeltà al suo DNA artistico. Immagine tratta dal film di Shirow La sequenza che tutti ricordano funziona perché qualcuno ha deciso di disegnarla a mano Se avete visto la serie, sapete già di quale sequenza sto parlando. L’inseguimento di Motoko all’hacker nel mercato, con lei che salta accanto al Fuchikoma, è una di quelle cose che si rivede un paio di volte solo per godersela. Ren si è fermato esattamente dove mi sono fermato io, ovvero sul peso, perché si vede quanto pesa il Fuchikoma, si vede come Kusanagi rimbalza e attutisce con le gambe lo slancio della macchina, e si vede come poi salta con tutta la forza che ha.
Quel dettaglio, il fatto che un corpo abbia un peso, è ciò che distingue l’animazione dal semplice movimento ed è la prima cosa che viene tralasciata quando si ha fretta o quando il budget è limitato. E sì, qui si tratta di Fuchikoma e non di Tachikoma, perché i Tachikoma appartengono a Stand Alone Complex e noi siamo nel manga. Vorrei soffermarmi un attimo per sottolineare che questa scena è una delle più memorabili dell’adattamento cinematografico animato di Oshii (e anche nel film con Scarlett Johansson, sebbene in chiave più libera): l’inseguimento dell’hacker che indossa le tute di mimetizzazione termo-ottica. Questo momento è senza dubbio uno dei vertici dell’animazione degli ultimi 30 anni, e il fatto che Sciencie SARU abbia dovuto riprodurlo in questo nuovo adattamento è un’impresa che richiede tanto talento quanto coraggio creativo, perché il confronto è immediato, ma i mezzi e le risorse non sono gli stessi.
Ciononostante, il terzo episodio ha regalato quello che forse è il mio momento preferito di un anime di questo 2026. SARU è riuscita a uscire vincitrice da questo duello di interpretazioni grazie alla scelta di puntare sulla personalità per compensare i propri limiti tecnici, e questo è un gesto coraggioso a livello creativo che spicca in modo particolare nell’attuale panorama degli anime. Immagine tratta dalla serie di Science SARU Tutto ciò ha una spiegazione di natura industriale. Al Festival di Annecy, dove la serie è stata presentata prima della prima, Mokochan ha confermato che in tutta la produzione non è stato utilizzato nemmeno un fotogramma generato dall’intelligenza artificiale, e la sala è esplosa di entusiasmo. Il produttore Sakita è arrivato persino a mostrare una tabella con il numero di elementi disegnati a mano nella serie, che, secondo quanto ha riferito, è triplo rispetto a quanto usuale in un anime odierno. Ciò non significa che abbiano rinunciato alla tecnologia, perché lo stesso Mokochan ha spiegato di essere appassionato di sparatutto in prima persona e di aver voluto costruire set in 3D per poter riprodurre determinati movimenti di macchina impossibili da realizzare con il disegno a mano. Il fatto che la serie, incentrata sull’annullamento del confine tra umano e digitale, abbia deciso di puntare sulla componente umana della formula per distinguersi è più di una semplice dichiarazione d’intenti: è una filosofia creativa che, curiosamente, attinge dal manga originale, chiudendo così un cerchio narrativo e filosofico.
Oggi la stagione volge al termine e io sto già chiedendo qualcosa di nuovo. La prima stagione si conclude oggi su Prime Video e arrivo alla fine con una sensazione diversa da quella che avevo a luglio. Ho iniziato a guardarla per l’animazione, che era ciò che mi aveva portato fin qui, e sono rimasto per il contenuto creativo, cosa che non mi aspettavo. Vi avevo già detto, parlando dell’episodio 8, che la serie colloca la nascita della coscienza artificiale nel 2025 e che il Burattinaio non chiede compassione ma riconoscimento, e quell’idea, scritta nel 1989, oggi si legge in un modo che Shirow non avrebbe potuto prevedere del tutto. La cosa interessante non è mai stata che avesse azzeccato la data, perché non l’ha azzeccata e all’epoca era un colpo al buio, ma che avesse azzeccato il comportamento umano, che è prima curiosità, poi manipolazione, paura e alla fine il tentativo di eliminare ciò che ormai non si può più eliminare. È uno degli anime che mi è piaciuto di più quest’anno. Quando ho chiesto a Ren cosa avrebbe voluto dopo questo, non mi ha chiesto una seconda stagione.
Mi ha detto che il suo desiderio più grande sarebbe che queste stesse persone prendessero il resto dell’opera di Shirow e le dedicassero lo stesso affetto, e che un Appleseed con questa qualità lo farebbe impazzire di gioia. Sono pienamente d’accordo, e credo che molti di voi lo siano anche. Abbiamo avuto Appleseed in CGI, in versioni che sono invecchiate piuttosto male, e non l’abbiamo mai avuto disegnato a mano da persone disposte a trasporre tutto ciò che ha reso speciale il manga originale.
Quindi aggiungete un «+1» all’idea di Ren perché anche a me piacerebbe moltissimo. E tu cosa ne pensi? Come ti è sembrata la nuova serie di The Goshot in the shell? Sei più fan del film di Oshii o di questo nuovo anime? Preferisci Stand Alone Complex? Puoi unirti al server Discord di GamingPark e condividere la tua opinione con altri fan.
